Historia del cine III: El cine surrealista y el inicio del cine sonoro
Ya hemos visto que la proyección comercial de películas se acompañaba de música, pero el ideal era tener que suprimir los subtitulos y diálogos de las películas, esto se venís ensayando de diversas formas, Edison tras inventar el Quinetoscopio, se planteo complementarlo con el fonógrafo, también inventado por el, este aparato permite que las ondas sonoras sean transformadas en vibraciones mecánicas que mueven un estilete que labra un surco sobre el cilindro del fonógrafo, de esta forma se pueden grabar sonidos y para reproducir el sonido se invierte el proceso. Los dos aparatos fueron juntados como el Quinetófono en 1895, pero al no permitir su proyección sobre una pantalla, le hizo pasar pronto de moda por los éxitos en la proyección de cine.
Los problemas que había que resolver era que la imagen y el sonido se grababan y reproducían por aparatos separados, lo que hacía difícil su sincronización, además de que el sonido era de baja calidad y muy difícil de obtener mediante sonido grabado en directo.
La aplicación del invento del francés Eugene Lauste, de forma que el sonido que se capturaba con un micrófono hacía variar el paso de luz por un diafragma, variaciones que eran fotografiadas en una parte del celuloide, lograndose de esta forma grabar en el celuloide de las películas la pista sonora, lo que permitía ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine. 
Esta tecnología se denominó tecnología sound-on-film, y en paralelo existía otro sistema donde el sonido de la película era grabado en discos fonográficos (tecnología sound-on-disc), de forma que un plato fonográfico conectado a un proyector de cine especialmente modificado, permitía la sincronización.
En 1923, en Nueva York, se proyectaron una serie de cortos con sonido óptico acompañando a una película muda, en 1926 se estrenó Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y en 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine, los considerables beneficios que obtuvo hicieron ver que valía la pena invertir en la tecnología. El cine mudo había durado 35 años.
El sonido en los primeros tiempos del cine sonoro obligaba a que el actor hablase cerca de los micrófonos que se escondían en floreros, tras las cortinas o en el vestuario de los actores, ocasionando el envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos. Esto se superó cuando Lubitsch y King Vidor en Hollywood experimentaron con el rodaje de largas secuencias sin sonido, añadiéndolo posteriormente para resaltar la acción , se empezaron a añadir enseguida más bandas, las correspondientes a las músicas y a los efectos sonoros.
El cine sonoro marcaba una nueva forma de expresión, que hizo cambiar el montaje de las películas que se hizo mucho más complejo. Antes había un trozo de película, la imagen. Ahora eran necesarios dos trozos de película (la imagen y los diálogos) y, gracias a la moviola, un aparato que tiene una pequeña pantalla por donde pasa la película a la velocidad que se desee, tanto hacia delante como hacia atrás ,lo que permite suprimir los planos y escenas que no den sentido o significado a la acción narrativa, que estén mal rodados o que no interesen al director de la película. Gracias al montaje se hace casi toda la película. En él se alarga la duración, se acorta, se combinan unos planos con otros, se inserta el sonido y de esta forma se crea el ritmo cinematográfico que es el que hace que nos sintamos agusto y no nos canse la película. Así, el ritmo alterna planos largos con planos cortos, espacio y tiempo para llegar a lo que llamamos en cine tensión o suspense, todo ello acompañado del sonido o música elegida.
Cine surrealista, es aquel en el que se aplican los conceptos y técnicas surrealistas en su realización. El Surrealismo nació en 1924, con la publicación por André Bretón. de “Manifiestos del Surrealismo”, buscando expresar el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral”.
Considera que el problema fundamental es el de la libertad, tanto la libertad individual como la libertad social. La libertad social se lograría a través de la revolución, premisa indispensable para la revolución individual que rompa con todos los lazos que deforman nuestra naturaleza y así llegar a la libertad completa del espíritu.
En 1927, Bretón trata en “Surrealismo y pintura”, los caminos por los que el pintor puede adentrarse en el mundo surrealista: el del automatismo y el de los sueños. Automatismo es el mecanismo por el que ideas y asociaciones de imágenes surgen sin tener en cuenta la coherencia y el sentido. En cuanto a los sueños consiste en la plasmación de imágenes oníricas.
Principios, problemas y características del Surrealismo en el cine
Los cineastas de vanguardia consideraron al cine una extensión de la pintura. La imagen pasó a ser el aspecto principal de la narración, experimentando con recursos y técnicas para sostener el ritmo visual. Además, utilizaban angulaciones inusuales, efectos ópticos y distintas velocidades de filmación, intentando descartar la visión tradicional y enseñar nuevas maneras de mirar al margen de todo principio estético y moral, utilizando fantasías oníricas, con la deliberada confusión de tiempos y espacios diferentes, buscando destacar el mundo de los sueños y del inconsciente.
El encarecimiento de los costos de producción que supuso el cine sonoro le asestó un golpe mortal al cine surrealista, que duró apenas dos años, de 1928 a 1930. Sin embargo, las escasas películas que se filmaron en ese período marcaron una ruptura en la historia del séptimo arte y descubrieron nuevas posibilidades para su lenguaje. Ya no sería posible hacer cine sin remitirse de alguna forma a las películas surrealistas.
Es considera como la primera película surrealista Un perro andaluz” de Luis Buñuel, el cual decía: "Esta película nació de la confluencia de dos sueños. Dalí me invitó a pasar unos días en su casa y, al llegar a Figueras, yo le conté un sueño que había tenido poco antes, en el que una nube desflecada cortaba la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. Él, a su vez me dijo que la noche anterior había visto en sueños una mano llena de hormigas y añadió: -"Y si, partiendo de esto, hiciéramos una película?". Pronto nos pusimos manos a la obra siguiendo una regla adoptada de común acuerdo: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar por qué".
El propio Buñuel explica que para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz.
Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no cronológico de las secuencias, buscando provocar al espectador con imágenes insólitas y secuencias irreales o inimaginables. Se juega con los sueños, con la imaginación, presenta fusión y superposición de imágenes. Se mezcla la violencia de un acoso sexual con la imaginación de un personaje y se superponen a la vez figuras. Como se propusieron Buñuel y Dalí, no se puede encontrar un sentido en la historia de la película, los personajes aparecen en cualquier lugar, a veces salen de una determinada escena y aparecen en otra totalmente diferente (por ejemplo un personaje abre la puerta de la cocina y sale a una playa, o al mar).
“Un perro andaluz”, puedes verla mediante el link existente en este blog en el apartado de Grandes figuras del Cine: Luis Buñuel.
Tras el éxito de la película el español comenzó a filmar “La edad de oro”, ya en el período sonoro, adoptada como el punto máximo del Surrealismo cinematográfico. En ella continuó la ruptura de la narración lineal clásica pero también acentuaba la crítica contra la técnica minuciosa de los comienzos de las vanguardias.
Las imágenes se sucedían sin una conexión lógica. De un documental sobre escorpiones se pasaba a una mansión de la alta sociedad donde los invitados se divertían con el asesinato de un niño por su padre o a los intentos amorosos y desesperados de un hombre y una mujer. El film ironiza sobra la Roma imperial, el vaticano, la gran ciudad, la clase burguesa, el arte y la música como esferas separadas de la vida cotidiana (aparece un hombre pateando un violín). La gente hace cosas inesperadas, inimaginables para el espectador. Hay un ida y vuelta constante por medio de objetos, personajes y hechos, donde se puede reconocer la libertad de la imaginación que se plantea en el surrealismo. En varias escenas de la película, Buñuel ridiculiza a la clase burguesa. En una, introduce una vaca adentro de la pieza de la hija de un marqués, en otra, una carreta llena de obreros atraviesa un salón elegante, durante una reunión de la alta sociedad. También ironiza sobre las relaciones sexuales de la clase alta. Otro detalle importante en relación a los procedimientos surrealistas que posee el film es que hay mucha violencia en las imágenes. Por ejemplo, cuando un personaje golpea a un ciego y a una mujer, o cuando un padre dispara y mata a su hijo, o cuando otro personaje tira a un monje por la ventana junto con otras cosas. Los actores hacen todo lo contrario a lo que se puede esperar, en relación con los valores y las costumbres de la sociedad. El film termina con una secuencia en la cual hay mucho ironismo sarcástico sobre el catolicismo y una fuerte connotación anti-cristiana.
Puedes ver la edad de oro en el siguiente link:http://teimagino.com/ver-peliculas-clasicas-de-luis-bunuel-en-internet/
