Historia del cine II: El cine mudo
En la anterior entrega, decíamos que Georges Méliès descubrió que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía recrearla o falsearla, así por ejemplo deteniendo la cámara en mitad de una toma, recolocando los elementos de la escena antes de continuar grabando, podía hacer aparecer o desaparecer objetos.
Del mismo modo, retrocediendo la película unos cuantos centímetros y comenzando la siguiente toma encima de lo ya filmado, lograba superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones (fundidos y encadenados, como elemento de transición entre distintas escenas).
El siguiente paso vino con el estadounidense Edwin S. Porter, con el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa, iniciando el proceso conocido como montaje, en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas se ensamblan para conseguir un conjunto coherente.
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto llegó a juicio, e incluso a tiro limpio, enfrentándose Edison con los "productores independientes". Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, en donde Edison era fuerte, hacia el oeste, encontrando en Hollywood, una pequeña localidad californiana junto a Los Ángeles condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada "Meca del Cine".
Las películas se hacían en estudios, que eran fábricas diseñadas para producir películas, por otra parte las compañías cinematográficas se volvieron monopolios, ya que hacían las películas y las distribuían a las salas que además eran suyas.
La Motion Picture Patentes Company (MPPC), controlaba la producción en EEUU, pero por la aplicación de leyes antimonopolio desapareció en 1912, de forma que las compañías independientes pudieron producir y exhibir sus películas, y se permitió la entrada del cine europeo. Entre 1915 y 1920 las salas de cine se extienden por todo el mundo, pero el hecho de que Italia, lograse ser el mayor productor de cine del mundo, con 717 producciones en 1912, llevó a los estadounidenses a competir realizando películas más largas, dando mayor libertad artística los directores, y permitiendo que los actores figuraran en los títulos de crédito.
Para hacer más comprensibles las películas, se añadían títulos que aclarasen la situación a la audiencia o que transcribían conversaciones importantes. Los subtítulos (o títulos, como se les llamaba en aquel entonces), se convirtieron en elementos gráficos que ofrecían ilustraciones y decoraciones sobre lo que se podía ver en pantalla.
Las proyecciones de películas mudas normalmente no transcurrían en completo silencio: solían estar acompañadas por música en directo, habitualmente improvisada por un pianista, y en las ciudades grandes podían tener incluso orquestas completas, que añadían efectos de sonido, de forma que se inició la composición de partituras originales para la película.
También en ocasiones había un narrador que, con voz en off, describía lo que iba ocurriendo. En Japón, las películas tenían la música en vivo, y un narrador en vivo que proporcionaba las voces de los personajes y las narraciones narrador (benshi). El benshi además traducía las películas extranjeras.
El cine mudo obligaba a dar mayor énfasis al lenguaje corporal y a la expresión facial, para que la audiencia pudiera comprender mejor lo que un actor estaba representando en la pantalla
La mayor parte de los estudios fundados en aquella temprana época (Fox, Universal, Paramount) miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox y Metro Goldwyn Meyer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis Meyer) Estos estudios contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos.
Esto marcó la aparición del sistema de estrellas, el " star system ", en el cual los actores de cine se promocionan al igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de "cine de productor", en donde contaba más el peso del productor que financiaba, que el director encargado de plasmar una visión artística.
Pero el verdadero creador del cine como arte, como espectáculo y como industria, fue el norteamericano David Wark Griffith que filmó alrededor de 400 películas entre los años 1908 y 1914, la mayoría de ellas cortas. Pero en un espacio de tiempo tan reducido sistematizó los aportes de otros pioneros del nuevo arte estableciendo prácticamente todas las leyes de la sintaxis cinematográfica:
§ Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el Flashback y el acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios y primeros planos). Flasback (inglés: escena retrospectiva) es una técnica utilizada tanto en el cine como en laliteratura que altera la secuencia cronológica de la historia, conectando momentos distintos y trasladando la acción al pasado.
§ Utiliza la iluminación con fines dramáticos.
§ Se sistematizan los movimientos de cámara: panorámicas y travellings Travelling (ingles: «viajando»), se emplea en el cine para indicar que la cámara se desplaza hacia delante, hacia atrás o hacia los lados. El desplazamiento se realiza frecuentemente sobre un pequeño vagón que rueda sobre unas vías,
§ Se utilizan decorados cada vez más naturales.
§ Se multiplican los efectos de cámara: fundidos, apertura y cierre de objetivo, desenfoques, sobreimpresiones, variadas formas de Raccord La continuidad cinematográfica o raccord hace referencia a la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación a fin de que no rompan en el receptor o espectador la ilusión de secuencia. Cada plano ha de tener relación con el anterior y servir de base para el siguiente. Los Catchs (recortes en negro dentro del plano) así como el uso intencional de la profundidad de campo.
§ Y la técnica del montaje paralelo, versión cinematográfica del “mientras tanto” literario, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna víctima inocente). Consiguió tal perfeccionamiento en esta técnica que a partir de entonces este tipo de montajes pasaron a conocerse como salvamento en el último instante de Griffith (Griffith´s Last Minute Rescue).
Griffith, con sus melodramas históricos y su ideología americanista, con todos los racismos y conservadurismos incluidos, mediante El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia, (1916) cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. Ambas son melodramas históricos, superproducciones, alegorías a la raza aria y a su supuesta superioridad. Pero más allá de las críticas a su contenido ideológico, las películas de Griffith son un maduro ordenamiento del lenguaje cinematográfico a través de la experimentación.
Puedes ver Intolerancia parte I en :http://www.youtube.com/watch?v=zkgSIdOU_cc
y la parte II en : http://www.youtube.com/watch?v=zO545Fie1j4
Griffith desarrollo técnicas que son la base del cine: dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
Pero a pesar de su brillantez, Hollywood le cerró las puertas por su ideología acusándolo de violencia racial. La mayoría de sus producciones fueron fracasos comerciales y, poco a poco, ignorado por todos, cayó en el más completo de los olvidos. Murió solo y amargado en un oscuro hotel de Hollywood en 1948, a los 73 años de edad.
Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de la producción en Europa, Hollywood pudo dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico, recordad los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes...; fue invento de Mack Sennett, y el que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin,...
Charlot y Buster Keaton son payasos geniales y a la vez críticos de la deshumanización de la sociedad, harán universal el arte de hacer reír en la pantalla, (podéis leer sobre ellos en Figuras del Cine de este blog).
De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927); o bien obras maestras de cineastas extranjeras que se establecieron en Hollywood, como Erich Von Stroheim, autor de "Avaricia" (1924).
El cine mudo europeo
Los progresos técnicos, el desarrollo de la economía y el continuo avance de las ciencias del siglo XIX habían creado una fe en el desarrollo humano que parecía ilimitado e incuestionable, aunque ciertos pensadores y científicos como Nietszche, Einstein y Freud pusieron en cuestión la bondad del progreso basado en un desarrollo incontrolado de la técnica, la validez de los principios éticos y morales que predominaban, planteando la importancia de la parte no racional de la persona, y que el desarrollo de la tecnología no tenía por qué ir necesariamente ligado al progreso y bienestar, lo que se confirmó con el estallido de la 1ª guerra mundial que sembró el horror y la muerte por todo el continente europeo.
En Europa el negocio del cine se basaba en grandes empresas monopolistas cinematográficas, que dominaron los mercados internacionales hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense.
Tras la 1ª guerra mundial, la URSS, Italia, Alemania y, en menor medida, otros países, vieron nacer y desarrollarse filosofías que dieron lugar al establecimiento de regímenes autoritarios; por otro, el sistema capitalista, basado en la iniciativa privada y la inhibición del Estado en la economía, entró en profunda crisis con sus secuelas de paro y miseria, y por último, el sistema democrático sufrió un cierto desprestigio al ser incapaz de garantizar seguridad y bienestar. Todos estos profundos cambios no fueron ajenos al mundo del arte. A partir de entonces, el artista, en buena medida racionalista academicista y confiado, dejó su lugar a otro con distintas inquietudes, más escéptico y receloso ante un porvenir incierto e inquietante. El nuevo artista reniega de la misión que hasta ese momento realizaban sus colegas: la de plasmar la realidad.
Lo que le interesa, es trasladar al público sus inquietudes, su visión del mundo, sus sueños. Aunque surgieron diversos movimientos, todos tenían un denominador común: la convicción de que el arte debía encontrar nuevos derroteros, liberarse de normas y formalismos pasados y ser el resultado de las vivencias e inquietudes de cada autor. A éstos movimientos se los conoce como vanguardias del siglo XX.
Reniegan del mundo dado, de valores y morales burguesas, y buscan a través del arte un proceso concreto de liberación de la subjetividad creadora y receptora, de denuncia contra las formas consoladoras, sublimadas, “bellas” del arte burgués instituido. Van a mostrar las miserias del mundo moderno. Buscan nuevas fuentes de percepción como el subconsciente y el automatismo psíquico sin que intervenga la censura racional desarrollando propuestas insólitas y desacostumbradas. Sus figuras van a ser la prostituta, el enfermo, el marginal, el corrupto, la violencia social, el cuerpo desnudo femenino como mercancía sexual, lo procaz, la desesperación existencial, los valores insurgentes de la bohemia, la soledad en la muchedumbre urbana, la incomunicación humana, la angustia de la falta de sentido, la guerra, la muerte horrorosa, los cuerpos mutilados, lo absurdo, lo informe, lo desarticulado.
Sin embargo estas vanguardias pertenecían a una minoría selecta que era la única que comprendía el significado de sus manifiestos y propuestas aunque pretendieron la participación activa de aquellos a quienes iba dirigida sus obras de arte.
El Expresionismo
Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, la Primera Guerra Mundial ha asolado al viejo continente y Alemania es uno de los países más afectados. El cine de otros países, sobre todo Norteamérica, era la opción más extendida en la Alemania anterior a la Guerra pero la situación cambió cuando el Gobierno alemán, con la ayuda del Deutsche Bank, crea una productora nacional: UFA, fundamental para impulsar la producción de cine autóctono.
El cine que comienza a hacerse es de corte costumbrista, con figura destacadas como la de Ernest Lubitsch o el movimiento Kammerspielfilm, liderado por Murnau. La industria cinematográfica empieza a surgir con fuerza y muchas ganas. Y es en estas circunstancias en las que se desarrollará el Expresionismo Alemán., su punto de partida suele fijarse con la película "El gabinete del Dr. Caligary"(1919), dirigida por Robert Wiene, en la que lo más significativo quizás sea una estética marcada por las sombras y lo tenebroso. Lo mismo sucedería con otra película icono del Expresionismo: "El Golem" (1920) de Paul Wegener y Henrik Galeen.
Pero “Nosferatu" (1922), de Murnau y "Metrópolis" (1926) de Fritz Lang son posiblemente las películas cumbre
La primera trata un tema que atrae a los expresionistas: el de los vampiros y nos muestra en un film mudo pero expresivo una concepción de Drácula (Nosferatu el vampiro) completamente gótica, casi onírica.
Fritz Lang hace en "Metrópolis" una alegoría del mundo desde esa visión subjetiva de la que hablamos. Es un mundo subterráneo y futurista, con preeminencia de las máquinas, con espectaculares decorados y con una plantilla de cientos de actores.
El cine expresionista utiliza diversos recursos estéticos con el fin de potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador.
Uno de los recursos más importantes es el uso de la luz, es común encontrar notables contrastes de luces y sombras, la iluminación repentina de un objeto o un rostro dejando el resto en penumbras como medio de enfocar la atención del espectador sobre aquel. Sin embargo, más que la luz, las sombras producidas por ella son las esenciales para el cine. Sombras que muchas veces son las encargadas de narrar, en lugar del cuerpo que las provoca: uno de los casos más notables de esto se encuentra en Nosferatu, y su sombra sin cuerpo subiendo las escaleras de la casa de Nina, o su mano "exprimiendo" el corazón de ella recostada. Muy comúnmente las sombras simbolizan el ineluctable destino, la muerte. Puedes ver Nosferatu en el siguiente link : http://www.youtube.com/watch?v=rcyzubFvBsA
Los decorados de El gabinete del Dr. Caligari, son otra demostración paradigmática de la deformación expresionista: las perspectivas son intencionalmente falseadas, encontramos por doquier calles que se pierden oblicuamente, los frentes de las casas son completamente asimétricos, muchos de los interiores son un espacio cerrado, asfixiante. Todo esto intenta introducirnos en la psique del trastornado protagonista, su enfermizo mundo interior. Muchas otras películas posteriores usarán, aunque sea en forma atenuada, la deformación de los decorados.
Otros decorados habituales en los films expresionistas tienen que ver con un retorno al pasado, fundamentalmente mágico. Uno de los ambientes predilectos por los cineastas expresionistas será la Edad Media, así para los decorados de la segunda versión de El Golem de Wegener se diseño una reconstrucción delgueto medieval de Praga.
Fausto de Murnau, también retoma la tradicional leyenda en un contexto medieval con aires apocalípticos.
Todas estas películas se inscriben en la tendencia cinematográfica alemana de la época, inaugurada por Caligari, que rechaza la utilización de exteriores. Sin embargo, los paisajes y tomas al aire libre de Nosferatu, uno de los films más emblemáticos, fueron realizados en exteriores, logrando transportarnos a un pasado quizás aún más tenebroso que el resto de ellos, en virtud de sus edificaciones semi-derruidas, sus arcos góticos y sus nublados paisajes amenazantes, el mar y las montañas.
También en otros films encontramos la ambientación en un tiempo pretérito. Incluso en una película como Metrópolis, que intentaba plasmar un posible futuro cien años posterior, la confrontación final entre el protagonista, Freder, y el científico-místico, Rotwang, se da en una catedral gótica.
Menos notorio, pero también característico, es el encuadre en las películas expresionistas. La acción es casi teatral, no hay uso del fuera de campo, es decir que lo importante es lo que se ve, aunque sea tan intangible como una sombra. Frecuentemente los encuadres se asemejan a composiciones pictóricas, sobre todo en el caso de Murnau y Lang, directores con un notorio conocimiento sobre historia del arte.
Es común el uso de las diagonales no solo a nivel de la deformación de los decorados: también son comunes las figuras dispuestas en la pantalla en posición diagonal como, por ejemplo, la conocida toma de la muerte del vampiro Nosferatu, causada por los rayos del sol. A veces observamos, en un encuadre fijo, surgir gradual y lentamente, una figura amenazante desde el fondo (como Nosferatu). A veces observamos como las figuras se desvanecen en las penumbras de la pantalla.
La interpretación es uno de los aspectos quizás más llamativos del cine expresionista (que incluso a veces puede resultar chocante para un desprevenido espectador de nuestra época). Ya en Caligari la actuación realista es dejada a un lado, demostrando afectación. Si bien es cierto que esta cualidad en la interpretación existe en algunas películas de otros países, en las alemanas esto es llevado al extremo. Cuando se quieren mostrar sentimientos (miedo, ira, deseo, etc) se hace intentando exteriorizar estas emociones de la forma más extrema posible, a veces en forma violenta y abrupta, a veces con movimientos entrecortados y mecánicos, sumándole a esto, en algunos casos, un excesivo maquillaje.
Lo sobrenatural, lo fantástico, lo desconocido y lo siniestro pueblan las películas bajo distintas formas, desde la peste en Nosferatu (y más tarde en Fausto), hasta la inundación de Metrópolis, el tema del fin del mundo sobrevuela las películas como un fantasma, más o menos explícito, fruto del pesimismo alemán frente al futuro.
El Expresionismo terminó al llegar la década de los 30 pero es indudable la influencia que ha tenido en films posteriores, en el género de terror y de ciencia ficción y en una estética determinada como es la gótica.
Puedes ver el gabinete del Dr. Caligari en el siguiente link:
http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLI
